Susana Guzner/ La insensata geometría del amor/ Comentario de Alicia Gallegos

                                  Las coincidencias imitan signos indescifrables.

                                                                                      a.g

 Un cruce de caminos a raíz de un hecho casual, da inicio a la historia que nos llevará a seguir a lo largo de 440 páginas a dos jóvenes mujeres: María y Eva.

  Sin embargo así como David Lynch eligió a Insensatez como uno de los temas de la genial Lost Highway,  Almodovar no dudaría en usar dicha canción como música de fondo si decidiera hacer una película basada en esta Insensata Geometría del Amor, geometría almodovariana sin lugar a dudas.

  Insensata, absurda, loca geometría del amor, geometría determinada por distancias que no pueden medirse, líneas paralelas que siempre se tocan, infinitos que terminan ahí nomás, todo trastocado. 

  El amor es imposible de ubicar en el campo de lo medible o lo cuantificable porque la igualdad de sentimientos existe tan sólo en palabras. Y aunque es un amor de mujer contra mujer, esto no implica que sea amor. 

  Devenir ¿Devenir qué? Cuando un tropezón es caída estrepitosa, envuelta en piruetas ,que inevitablemente causan risa, solamente queda transformar el rodar en volar y esta transformación casi onírica se materializa precisamente en el lugar donde el vuelo se convierte en posibilidad real: un aeropuerto. Ellas no se definen como transmaricabollos, ni como femmes, a ellas habrá que descubrirlas.
Dice María: “No. No fue un escalofrío, ni un desvanecimiento, ni un perder los sentidos”. Entonces ¿Qué fue? Rodar o volar, todo empieza como uno de los juegos de los maestros del koan zen: donde lo aparente está dentro de lo real, lo real está dentro de lo aparente, y todo el tiempo se vuelve de adentro de lo real, allí vemos a dos jóvenes mujeres que se atraen mutuamente.

 En este libro donde no encontraremos personajes argentinos, ni exiliados, ni perseguidos, ni desaparecidos, Guzner ha jugado con gran habilidad la puesta en escena de un teatro de las apariencias y como todos sabemos muy bien las apariencias engañan, así nos engañamos a medida que vamos leyendo y vamos entrampándonos cada vez más en las redes de una historia con matices inesperados, momentos de suspenso y emoción…)”

Alicia Gallegos

Publicado en  Leedor.com

en enero o febrero del 2012

Susana Guzner

18 de octubre de 1944 - 16 de febrero de 2022

escritora argentina

Su libro "La insensata geometría del amor"  es considerado un hito en la novelística de temática lésbica en lengua castellana. Traducida al francés, alemán, neerlandés, portugués y polaco entre 2005 y 2007.

Publicada por primera vez en España en 2001 (Editorial Plaza&Janes), y reeditada por Penguin Random House en 2002 (España) y 2014 (México). 

                                             AliciaGallegos 2012

UNA PARTE DE LA VERDAD/ Claudia Schvartz/ Comentario de Alicia Gallegos

Claudia Schvartz

UNA PARTE DE LA VERDAD

Editorial Leviatán

narrativa ( relatos)

2021

Recomendado! 

Me gusta mucho el título, UNA PARTE DE LA VERDAD. La tapa es bellísima. 

La autora ya nos ha maravillado con sus poemas, prosas poéticas y sus traducciones.

El libro contiene 12 relatos, con 145 páginas que se leen en su totalidad, porque como debe ser tratándose de narrativa, los textos tienen poder de atracción, en cada uno de ellos sucede el milagro que ansiamos los lectores al abrir un libro, sucede la curiosidad y el deseo de saber que pasará con los protagonistas y las situaciones que atraviesan, sucede la necesidad de seguir leyendo aún cuando sabemos que es hora de cerrar el libro y sucede que apenas surge un momento posible para la lectura estaremos haciéndolo y  cuando terminamos el libro nos queda ese sentimiento de orfandad que a veces lleva a que los autores sigan escribiendo y publicando.

En los últimos días estuve viendo cine, películas que en parte tocan temas relacionados a escritores y su obra. Una de ellas fue "Anatomía de una caída", un film de Justine Triet, escrito por Justine Triet y Arthur Harari, aunque la película aparentemente no tiene nada que ver con el libro que me ocupa, hay algunos puntos que me dejaron navegando las aguas de la reflexión. El libro de Claudia se llama "Una parte de la verdad" y eso es el cimiento y estructura, el nudo y el fin del argumento de la película, esa parte de la verdad que a cada uno afecta, que cada uno cree conocer y que nos será mostrada. No voy a contar toda la película. Uno de los personajes principales es una escritora, en la escena inicial es  entrevistada por una estudiante universitaria, es una escena de una antológica violencia emocional y erotismo, allí pregunta la estudiante algo así : "Usted usa situaciones de su vida real en sus novelas. ¿Recomienda a un escritor que lo haga?". 

Sabemos que el relato admite hechos no ficticios, el modo en que un escritor los usa y aplica me interesa especialmente, esto forma parte de las reflexiones varias en que quedé luego de leer los doce relatos, porque formo parte de la legión de gente  que tal cómo el marido de la protagonista de "Anatomía de una caída" intentamos escribir y buscamos posibles estrategias de construcción de textos en libros logrados.

                                                                      Alicia Gallegos

Michel Houellebecq/ Serotonina/ nota de Alicia Gallegos

 

SEROTONINA. El eterno retorno de MEURSAULT por Alicia Gallegos

SEROTONINA es el último libro de Michel  Houellebecq, lo publicó Anagrama en 2019. No voy a decir que el personaje central de la novela, un francés de 46 años es el álter ego de Houellebecq. Detesto a los lectores-críticos que se complacen al encontrar el  alter ego del autor en cualquier personaje, esa práctica es una forma sutil de desvalorizar el trabajo creativo, de bastardear al escritor y de disimular prejuicios morales, enemistad política, ignorancia, pobre nivel de lectura, pacatería. El hecho de que el personaje central sea un ser decadente lo acerca a cualquiera de nosotros aunque no formemos parte del sector hombre blanco, clase media.

Los efectos de un medicamento psiquiátrico que genera Serotonina (hormona que mientras produce sensación de felicidad va disminuyendo el deseo sexual hasta llegar a eliminarlo) no son lo central del libro, la dosis máxima  no le cambia la vida al protagonista, no deja de ser el que era. Estar un poco más o menos bañado es anecdótico. Cómo título está muy bien, es atrayente. 

La descripción de la situación que padecen  los productores agrícolas franceses víctimas de las decisiones  de la Unión Europea, recorre toda la novela. Florent Claude LABROUSTE es ingeniero agrónomo, su vida actual y su pasado están relacionados de una u otra forma a ese universo y tanto varones como mujeres se ven afectados por sus devenires.

Personalmente si analizo la estructura y construcción de este libro podría decir que parece  escrita por un principiante, que es una obra carente de valor literario, no hace ninguna innovación, no se destaca por una escritura cuidada, parece escrito a las apuradas, parece que su cantidad de páginas fueran fruto de un rellenado con información que el autor sacó de Google y volcó con muy  poco trabajo de procesamiento de transvasado. La historia de Houellebecq como escritor arrastra un modo de repetición de sus estrategias de trabajo, al publicar “El mapa y el territorio” en 2010 se lo acusó de plagiar textos de la Wikipedia francesa y él reconoció haberlos usado. Así mismo su “ausencia de estilo” ya ha sido criticada en sus otras obras.

 Sin embargo lo esencial del libro es una profundidad que lamentablemente pasará desapercibida para muchos.

La cuestión es que Serotonina  es un libro que atrapa, que engancha de cierta forma, logrando que por momentos uno lo lea con esa sensación de que va a pasar a algo, que la historia va a estallar. Mientras  eso  no sucede seguimos atravesando las distintas instancias, las distintas historias  comprobando que no pasó lo que imaginamos y que pasó otra cosa. Así una construcción que parece una hilera de bucles, algo que sería  una forma de línea recta  en realidad tiene circularidad.

Hay un momento en la novela en que Florent descubre la vida sexual secreta de su novia japonesa, yo diría que ese capítulo puede ser tomado como ejemplo para llegar a entender al personaje central Florent-Claude. Ese Florent es la esencia, la radiografía de Florent , su drama. 

Florent Claude es un punto enfocado en un microscopio y  a través de él  descubrimos lo que Houellebecq quiere señalar como el problema de la sociedad actual: el individualismo.

Su libro anterior se titula Sumisión, este se llama Serotonina. Las SS de Houellebecq intentan hacernos ver un problema: estamos abandonando el mando de nuestras vidas y el futuro del mundo que dejaremos, somos seres debilitados, sometidos y adictos a creencias o sustancias que nos vuelven esclavos.

Otro de los libros de Houellebecq publicado en 1994, “Ampliación del campo de batalla” ya había sido comparado a “El extranjero” de Camus. Con este de 2019 vamos a encontrar  un registro que a nos remite allí. Es una "ampliación del campo de batalla". El ratoncito cuasi psicótico en que se ha convertido Florent-Claude LABROUSTE ( el nuevo MERSAULT) camina por el lado interno de una rueda, de esas que se ponen en las jaulas para hámsters, él  toma un medicamento cuya advertencia es que reduce el deseo sexual y no le importa porque ya no lo tiene, a su psiquiatra el Doctor Azote tampoco le importa. LABROUSTE no empezó a caer a los 46 años, el cayó de rodillas mucho tiempo antes, sin darse cuenta de que vivía la gran caída. Un error estúpido que estúpidamente nadie lo ayuda a ver o a corregir y que estúpidamente él tampoco nota ni corrige. De ahí en más su vida será una herida absurda, tratar de volver al pasado lo es. Los padres de Florent se habían suicidado y él  nada sabía acerca de que los aquejaba. La familia como sostén y cómo ideal ya había dejado de funcionar en ese momento, el individualismo cada vez calaba más hondo rompiendo lazos.

 No hay medicamento que nos transforme en otro ser humano. Es mucho más fácil salir de un laberinto que de situaciones del tipo del eterno retorno.

 

Si les interesa el libro está en You tube, en audiolibro. Aquí les dejo la Lista de Reproducción, van a encontrarlo por capítulos, lo cual es muy práctico para ir escuchando una novela. 

https://www.youtube.com/playlist?list=PLQPGD1aq4fUkSZ1Ktu4t-A-hPHwEqviOp

SOFÍA GONZÁLEZ BONORINO / MI CLIENTE / nota de Alicia Gallegos

   MI CLIENTE es una notable novela escrita por Sofía González Bonorino.
Publicada en Buenos Aires, en 2014.

   La protagonista es una mujer joven todavía, argentina, de clase media.
   La acción transita por dos carriles paralelos: A) El diario personal de la protagonista donde se refleja el presente, aquí esta mujer consigna acontecimientos, detalles, fracciones de la relación con un cliente muy particular y significativo en su trabajo como prostituta. B) La reconstrucción de la historia de la mujer a través de ejercicios de memoria que surgen atraídos por el deseo del cliente.

   Más allá de una escritura delicada y trabajada frase por frase, este libro está teñido sutilmente por una puesta en foco de aquellos temas y problemas que afectan de forma dramática la vida de las mujeres de todas las clases sociales.
   En la actualidad la vida real continúa sometiendo a las mujeres a través de mandatos culturales, sociales y familiares que de tan férreamente construidos y arraigados son hasta invisibles para quienes se dedican a los estudios de género.
   Aunque pareciera que el centro de interés según se anuncia en la contratapa de la novela está en el ejercicio de la prostitución de la protagonista y la relación con un cliente particular, la historia va mucho más allá y se va ramificando contínuamente haciéndonos  transitar escenas del erotismo infantil, relaciones que rozan peligrosamente el incesto, vínculos familiares confusos, el cuerpo de la mujer torturado por las consecuencias catastróficas  de esos vínculos confusos y así un espiral que pasa por autolesiones, bulímia, anorexia, mentiras y desamor.
   El matrimonio por "conveniencia"como mandato, orientado a trabajar un vínculo basado en intereses y que se  convierte en una sociedad comercial es expuesto magistralmente con la aparición de Alfredo, un personaje que va de lo repugnante a lo admirable en todas sus facetas.
   La maternidad como fascinación, obsesión y causa de dedicación full time  termina deviniendo en la desaparición del supuesto y cuestionado instinto materno. La maternidad llega al punto de convertirse en un peso asfixiante, agotador y frustrante que  es silenciado por la hipocresía de la sociedad no dispuesta a dar lugar para que la mujer exprese con libertad sus angustias, ansiedades y los sentimientos contradictorios que tiene hacia sus hijos y que van desde dar la vida por ellos a querer matarlos.
  Hay un momento de la historia en que la protagonista se siente atraída, se enamora. Si el protagonista hubiese sido un varón la situación pasaría por "papá se separó de mamá, papá tiene novia, papá se fue de viaje con la novia, los chicos se quedan con mamá" pero siendo la protagonista una mujer la situación es "ella abandonó a sus hijos" y de ahí en más las consecuencias nefastas.
   Muchísimo más  podría decirse de este libro que aunque no es de publicación reciente como toda buena novela trasciende la fecha de salida de imprenta.

Sofía González Bonorino

Publicó las novelas Las Cruces (2000), La Quema (2003) ,El Escritorio (2006) y Mi Cliente (2014)

Lleva adelante el Blog

https://cuartaprosa.com/

SERGIO SAMMARTINO/ EL PEQUEÑO ESPACIO/ una nota de Alicia Gallegos

    El más reciente libro de Sergio Sammartino, "El pequeño espacio" salió de imprenta en 2018 con el apoyo del Fondo Municipal de las Artes de la ciudad de Bahía Blanca.
   
   Sergio S. nació en Buenos Aires en 1952.
   Reside en Bahía Blanca donde a partir de 1984 ha publicado cinco libros de poesía.
   "El pequeño espacio" es el libro quinto que incluye partes de los anteriores y algunos inéditos.

   Reconocido en su ciudad donde trabajó en los proyectos Senda y Vox en cultura y ecología, carga al igual que otros tantos poetas del "interior" alejados de "capillas, lobbys y padrinazgos", las dificultades que conlleva la difusión de sus obras. Aún así ha logrado sortear los problemas de distribución con ingenio, audacia y amigos. Uno de ellos el librero  Rafael Biltrán de la librería de usados  EL DEBATE ubicada en Avda Pueyrredón 731, Barrio de Once, en la ciudad de Buenos Aires, que le ha dado lugar para que los lectores de Sergio pasemos por allí a retirar cómodamente  nuestro ejemplar.
   
  Una de las partes que más me gusta del libro fue publicada (no la totalidad) el 4 de junio de 2016 en este blog con el título de Pseudo Haikus (para leerlo vaya a) :     https://aliciagallegospoeta.blogspot.com/2016/06/sergio-sammartino-pseudo-haikus.html   y es  una de la publicaciones más visitadas del blog.

  La poesía de Sergio es una poesía de ruptura de certezas ,de indagación espiritual, de hallazgos.
  Habitante de soledades y paísajes marinos nos dice "esta noche esgrimiré el rayo/
esta noche /lo clavaré en la tormenta" y así leerlo nos despertará o nos acunará, si nos dejamos habitar, si concedemos el pequeño espacio que necesita una pequeña palabra para ganarle la batalla a la pesada enormidad de la nada.

ph alicia gallegos

JONIO GONZÁLEZ / HISTORIA DEL VISITANTE/ una nota de Alicia Gallegos

   "Historia del visitante" es el más reciente libro, del argentino residente en Barcelona, Jonio González.
  

   79 poemas!!!!!! Un libro de casi 100 páginas. Sin desperdicio. No hay material de relleno. 
Cada poema es una pieza apta para disfrutar, para pensar, para releer. El libro tiene consistencia, variedad temática, vuelo y sentido, un delicado equilibrio fruto de la experiencia y del trabajo poético y de "eso" que va más allá, que distingue: la capacidad de poetizar y la capacidad de filosofar enlazadas en  la vida misma. 

   Durante mi lectura, una sensación extraña, una errada certeza de haber leído haikus y la incertidumbre. ¿Por qué? La estructura de los poemas de Jonio no es la del haiku, eso salta a la vista, no hace falta contar versos o sílabas. Viendo y reviendo encontré muchos poemas de tres estrofas, por lo cual considerando que el haiku tiene tres líneas, se me ocurrió que son ¨haikus expandidos" de ahí a pensar en estados expandidos de consciencia y otros mambos esotéricos...nada, un paso más y bien podríamos derivar en un ensayito new age, que bien podría hacer pie en el haiku americano que proponía Kerouac, cuando decía "no creo que los haikus americanos debieran preocuparse de las sílabas porque el discurso americano es algo que se expande hasta estallar" y al decir americano decía también occidental.

Transcribo dos poemas elegidos casi al azar.


EL VIAJE

has visto las montañas de moab
sin saber que lo eran
¿has viajado menos por eso?
¿qué define el viaje
lo visto
o lo conocido?

sales a la calle
ves cientos de rostros
y no conoces ninguno
y sigues estando en la calle
caminando junto a ellos

APUNTES DE VIAJE

mientras el agua anega el camino

convirtiéndolo en barro que un día

cederá bajo los pasos del que fui

mientras intentas avanzar

pidiendo perdón por las culpas de otros

tu y yo sentados junto al mismo árbol

mirando cada uno en una dirección distinta:

hacia el barro en el que no me hundí

hacia el barro en el que tus pies

permanecen atrapados

 

MANOLO MARCOS / 3 Poemas de TÁCTICAS DE PAYASO y Notas de A. Brezmes, J.Poz y A.Gallegos

Táctica contra el ego

Todos mis partos de poeta se disuelven
hoy, así que salgo al viento fresco
y beso los harapos de los pobres,
orino en la bufanda de un director ejecutivo,
le casco treinta y un (ni uno más) huevos en la frente
a mi mejor amigo de la infancia,
que hace tiempo me trata como a un paria.
Todo esto con la felicidad de un niño tuerto
al que las mariposas le soplan al oído
tácticas sencillas contra el ego.




Consejos para artistas: objeto vibrante
no identificado

Suba al púlpito.
Si no sabe que decir
cómase una naranja.

Verá que el público
cree que su manera de pelarla
tiene el aroma bíblico de Arcadia.


Quaero homines

Huelo a cobre.
Si me golpean (con un palito de madera)
doy un eco a cloaca, sueno a pobre.
Si me acarician verán con estupor
(no se asusten) que desprendo rabia.
Si se atreven a mirarme al fondo de los ojos,
es posible que huyan, presas de la náusea.

Aquel en quien se miran no soy yo.
Soy un espejo de vuestra inanición, 
el último eslabón ya despojado
de la sacrosanta cadena del trabajo,
de la categoría ideológica de productor.

Aquí os dejo este candil de versos maloliente,
voy buscando hombres, no me tapeís el sol.
Tendré por fin con qué librar mis días
a la certeza triunfante de la muerte.

Esa que administráis en nombre de Platón.



Nota de lectura de Alicia Gallegos 

   ¿Qué sería del circo sin payasos? ¿Qué sería del mundo sin poetas? ¿Qué sería de nosotros sin una patada en el trasero cada tanto? 
     Los payasos tienen una máscara. Los payasos le dan sopapos a su contrafigura escénica, también patadas en el trasero, le toman el pelo y lo hacen ir de un lado al otro del escenario. Así el público ríe de las gracias del payaso. 
   La cuestión es: quién es aquí, en este libro, en estos poemas la contrafigura? 
   Será que la contrafigura aquí es la hipocresía, la ignorancia, la doble moral y la mentira,  hacia allí va la patada bien calculada al punto de causar un sobresalto y una pirueta?
   No matarás dice el quinto mandamiento.

  Tácticas de payaso no es un libro de lectura rápida o fácil. Es de esos libros que pueden acompañarnos durante mucho tiempo ya sea que esté en nuestra mesa de lectura  o en el morral. La mayoría de los poemas nos dejarán pensando porque aquí el que escribe es un intelectual, un filósofo. Manolo Marcos es poeta, pintor y músico. Todo lo que hace y piensa confluye en su escritura. Me gusta pensar que lee o recita alguno de los poemas después de algún breve concierto de saxo, cuando las mentes y almas de los oyentes se encuentran ya dispuestas para la poesía o la conversación.
    Este libro cuenta con un valor agregado: el prólogo de Rafael Escobar Sanchez, cuya lectura recomiendo especialmente.
  
Acerca de la poética de Manolo se ha referido  Alfonso Brezmes diciéndonos que 
   
    Se trata ésta de una poesía “disruptiva” en el sentido de romper con el pensamiento lógico para proponer nuevas formas de disfrute del poema. Son estos por tanto poemas que nos sacan de nuestras casillas del pensamiento lógico, poemas que se mueven como un caballo de ajedrez por el tablero, no como un peón o una torre otra cualquiera de las fichas que siguen movimientos lineales. Manolo es un “enfant-terrible” del verso, que gusta de la boutade y la eleva a categoría estilística. 

   Los poemas se escriben desde un yo voluntariamente alejado de la retórica sentimental al uso, de ese tú habitual del poeta romántico, ese tú al que se dirige como si el lector tuviese que ponerse en el lugar de la amada, o del amado.Este alejamiento de la retórica del tú – de Bécquer a Salinas, pero que sigue tan de moda hoy día- no es en sí mismo algo ni bueno ni malo, sino indicativo de que no se está apelando tanto al sentimiento del lector, ni tampoco a su uso de razón, como al yo más primario pero a la vez más elaborado: a ese lector ese que es capaz de reír ante un juego de palabras, pero también de sonreír ante una referencia cruzada, de un salto meta-literario en el vacío de la página.

   En el libro es constante el uso del juego, del retruécano, del asociacionismo imposible, de la floritura verbal –la flor en el ojal del payaso que dispara un chorro de agua cuando nos acercamos a olerla-.  Y el empleo, como si de un Chema Madoz de la palabra se tratara, de objetos cotidianos para darles una vuelta de tuerca y hacérnoslos ver con una nueva dimensión: como “objetos poéticos” ahora en lugar de como meros objetos cotidianos o domésticos.

  El poeta, para lograr involucrar al lector en su propuesta literaria, ha de ganárselo mediante la complicidad, trayéndoselo a su terreno, a los “medios”: en la poesía de Manolo es frecuente de referencias meta-literarias, guiños al hombre de cultura sin las cuales los poemas pueden leerse solo como artefactos inofensivos, como flores artificiales, pero que no tendrán la fuerza de la bomba-lapa que en resumidas cuentas son estos poemas de Marcos.

     Este libro se inscribe en una tradición, en un río del que bebe Marcos y que viene de antiguo: la poesía que emplea el humor y la ironía como piedra de toque del lector: desde los poemas de Catulo, pasando por el barroquismo de Góngora y el verbo ingenioso de Quevedo, para llegar a las greguerías de Gomez de la Serna, a su adorado –debería decir nuestro adorado, pues es pasión compartida, Nicanor Parra (“Todo lo que nos une es poesía; todo lo que nos separa es prosa”), o a mi venerada Gloria Fuertes; pero pasando también por el cine mudo, en cuyos actores no podemos dejar de pensar cuando nos asalta el yo poético de Manolo –esa cara de palo de Buster Keaton transformado en maquinista de La General, ese Chaplin poniendo tornillos o ese hombre colgado de las agujas de un reloj  que encarnaba Harold Lloyd como poderosa metáfora del hombre moderno. Pero también bebe, cómo no, del Teatro del absurdo, Samuel Beckett y sus personajes de su Vladimir y Estragon esperando al escurridizo como el horizonte Godot. Sin embargo, el verdadero caudal de la literatura española no es otro que Cervantes, y su inimitable personaje.

  Pese a dicho empleo constante de la ironía, hay una crítica social evidente aunque semi-soterrada en muchos de los poemas de Tácticas de payaso: “sumo a la mía todas las tristezas y penas que el anónimo mundo lleva encima”, pero sin dejar por ello de reflexionar sobre la condición humana, como lo demuestran poemas como Quaero homines: “Voy buscando hombres, no me tapéis el sol” 

 

Reseña de Juan Poz (frag.)

“La mezcla de la poesía con la agudeza y el duende del humor no es una aleación que fragüe con facilidad, y ahí es donde nos convencemos de la singularidad de la obra de Manolo, porque su facilidad engañosa no permite engaño ninguno ni falsas interpretaciones: no hay fórmulas, ni clichés, ni recursos de manual, y mucho menos imitación desustanciada; sino todo lo contrario: fenomenales hallazgos que, más allá de la inspiración, parecen nacidos de una rigurosa disciplina científica de observación. 

El surrealismo no fue la única vanguardia, ni la más irreverente, si la comparamos con Dada, por ejemplo, pero, junto con el creacionismo de Huidobro hicieron nido en la literatura española y se han naturalizado en nuestro paisaje literario como aves propias del lugar. Por eso nos parecen tan familiares brillos líricos como el de Murciélago rumbero: las nubes/cogidas con alfileres en un tablón,/amenazan tormenta./Un desplome de plumas con lágrimas de plomo. O en Recetas contra la melancolía: Oriéntese a poniente/ (…)/Cacaree y espere:/seguro que le regalan un estenógrafo y/pone Vd. un huevo./Cripto vive.

La casi inverosímil facultad de Manolo para jugar con los conceptos y con las palabras crea siempre una alegre pelea de golpes y risas entre los payasos en la pista del circo donde se refleja, distorsionada, la patética realidad que los espectadores llevan consigo cuando entran. Frente al aullido de Rivel, dueño magistral de sus silencios, Manolo nos ofrece el verbo bullicioso y juguetón de la feria, como en Remedios caseros contra la ansiedad: La dialéctica de Dios es hablar entre líneas,/no se le ocurra imitarle./Dios es camaleón en calma./(…)/La nada nada fatal, no se acerque a socorrerla./Morirá usted por nada./Nada más. Eso es todo.”

Autorretrato. Manolo Marcos

Obra de Manolo Marcos.
tinta china sobre papel Arches

ph AliciaGallegos

Manolo Marcos
Rotterdam, Holanda, 1968
Vive en Córdoba, España. Ha cursado estudios de Filosofía y Música.
Es pintor y saxofonista.
Publicó: TÁCTICAS DE PAYASO (2015) . Ediciones Tigres de Papel

Más de Manolo Marcos en 
https://aliciagallegospoeta.blogspot.com/2018/07/manolo-marcos-poemas-y-pinturas.html

LA SUERTE DEL POEMA / Valeria Melchiorre / Ensayo/ nota de Alicia Gallegos

LA SUERTE DEL POEMA es un libro de 250 páginas que contiene once ensayos.
Este libro es el resultado de un trabajo realizado durante diez años por  V. M., muchos de los ensayos fueron publicados originariamente en la revista Hablar de poesía.
En primer lugar aparecen diez ensayos dedicados a poetas argentinos
Jorge Leonidas Escudero,
Diana Bellesi,
Arturo Carrera,
Ricardo H. Herrera,
Rodolfo Godino,
Juan Manuel Inchauspe,
Daniel Samoilovich,
Lila Zemborain,
Carmen Iriondo y
Walter Cassara

LA SUERTE DEL POEMA es también  un extenso ensayo que aparece al final del libro , aquí encontramos un detallado estudio acerca de la poesía actual argentina y el personal análisis de Valeria Melchiorre que se deja tentar por un desafío complejo: atravesar el panorama actual, estudiarlo, opinar y proponer hipótesis dentro de cada agrupación temática.
A fin de reseñarlo brevemente, lo separaré en dos partes : La Lírica y Otras ondas

La lírica
A poco del inicio del ensayo M., se adentra en aquello que unifica el perfil de las poéticas que nos convocan: el intento de los poetas por llegar a "la eficacia de un ritmo dócil a la naturaleza en sus detalles, a una preciosura sin altibajos ni estridencias". Este enfoque lo desliza apoyándose en una cita de Link donde dice que "no hay poesía que pueda pensarse como algo diferente de un acompañamiento del paisaje...".
Va pasando entonces por Claudia Masín y Alejandro Crotto luego de haberles apuntado a Diana Bellesi y a Juan L. Ortiz ,  nos va situando y después nos dice  que la "legibilidad inmediata, transparencia del enunciado, uniformidad -y seriedad- de registro" son características de la mayoría de los poetas publicados por las editoriales Bajo la luna y por Hilos, da ejemplos y caracteriza: Claudia Masín, Alicia Genovese, Beatriz Vignoli, Mercedes Araujo, Irene Gruss, Osvaldo Bossi, Paula Jimenez, Jaki Setton, Mirta Rosenberg, María Mascheroni, Inés Aráoz,  luego hace un paréntesis para incluir, ahí cercanas, a Colombo y Sifrim con obras que engarzan lo lírico con el "humor escurridizo y elegante" que aparece en obras publicadas originalmente en los 90.
Diferenciaciones más o menos pronunciadas a este cauce son las de: Dolores Etchecopar con vetas surrealistas y Enrique Solinas con la apertura hacia lo trascendente.
Este clasicismo donde se han asentado Ricardo Herrera y la revista Hablar de poesía son bien descriptos tanto por Martín Prieto como por los poemas de los publicados en Hablar de poesía, entre ellos los de  Carlos Battilana.
Mucho más diferenciado de esta corriente aparece Jorge Aulicino.

De aquí en más leyendo recorreremos:

Las antologías : particularmente la de Monteleone, la de poetas mujeres (1940-1960)(selección y prólogo Irene Gruss) publicada por Del dock y la de Kesselman que incluye por ejemplo a Alejandro Rubio, Cucurto y Fernanda Laguna.

Algunas características del campo poético argentino: Ahí por ejemplo dice Melchiorre que "las apuestas que le dan sustento, apegadas a lo esperable y a lo previsible, son menos audaces. De ahí que distinguir una poética de otra se vuelva prácticamente imposible; y que las obras no se caractericen por sus marcas singulares" ...Y luego se explaya acerca de las posibles causas de este estado de situación.

Otras ondas: 
Esta parte del ensayo analiza producciones innovadoras, marginales o poco comunes :
Los neobarrocos :Carlos Ellif y sus otros nombres,  Reynaldo Jimenez, Roberto Cignoni (grupo Paralengua).
Los innovadores: Jorge L. Escudero  y Samoilovich Daniel.
Producciones bilingües (español y lenguas experimentales): María Lilian Escobar, Marimé Arancet Ruda.
Gifpoetry de Romina Cazón
Blogs que publican a poetas: Los blogs de Marcelo Leites,  Mario Nosotti,  Selva Dipasquale y  de Aulicino.

Es particularmente díficil sintetizar el contenido de un libro de estas características, más allá del trabajo de estudio que implica, Melchiorre se juega implicándose y construyendo un material que nos permite acceder a una información original y que contiene un despliegue de opinión especialmente interesante para el lector dispuesto a pensar y confrontar.

VALERIA MELCHIORRE. 
Buenos Aires, Argentina. 1970 

 Es doctora en Letras por la Universidad de París 8. 

 Ha sido docente de literatura argentina e investigadora. 

Tuvo a su cargo la edición y el prólogo de Poesía completa de Amelia Biagioni (2009). 

 Es autora de los libros: 

        Amelia Biagioni: la “excentricidad” como trayecto (2014) y 

        La suerte del poema (2017), que reúne ensayos y reseñas aparecidos en libros y revistas diversas.

 En poesía publicó los ahora inhallables:

        Los dictados de la moda (2012); 

        La cita, junto a otros tres poetas en el volumen Invocaciones. Cuatro poetas en la voz del mito (2012); y 

        El hombre que soy yo en un cuadro de Francis Bacon (2013). 

 Ha traducido poesía del inglés y del francés, entre otros a Pierre-Jean Jouve, junto con Ricardo Herrera: De Las bodas a Tiniebla. Antología poética 1925-1966 (2016), volumen cuyo prólogo también redactó.

foto de Alicia Gallegos

Las causas del desconcierto .Fabían O.Iriarte y Rufino Tamayo / Una nota de Alicia Gallegos

Leí el libro  Las causas del desconcierto de

Fabián O. Iriarte, deteniéndome  en cada poema, como si fuese un libro conformado por piezas independientes entre sí y aunque no es totalmente así,la lectura funcionó.El libro me encantó y como resultado de un buen encantamiento, así medio embrujada me puse a pensar.
 Fabián Iriarte es hace mucho tiempo uno de los poetas importantes del panorama nacional,traductor exquisito,  con varios libros publicados a lo largo de su vida,quien quiera profundizar se puede plantar ante su obra  , ir más allá.
En mí, un deseo inquietante de saber algo más acerca de su poética y la sensación de que había  algo para desentrañar. ¿Un enigma? ¿Una huella digital ?¿Cómo construye sus poemas?
Quise saber  algo del porque y cómo, pero sin preguntarle al autor.
  

Muchos o ¿todos? los poemas hacen referencia a algún artista, algún hecho cultural, algún acontecimiento, circunstancia. En algunos poemas esa referencia es explicita y en otros no, hay una especie de complicidad con el lector, una relación en la cual los que leemos participamos de diferentes maneras.
Si lo trasladáramos a lo coloquial sería como conversar con un amigo que no te explica todo, no es "una mamá buena" que te da todo en bandeja, todo "masticado",es como si a veces tuviese ganas y paciencia de dar más y a veces menos y entonces : "curtite, baby, entendendiste lo que entendiste, bueno, está bien" 
No le interesa ser entendido todo el tiempo y de esa manera habla, construye y da lugar para que el otro escuche y construya.

En la página 34 aparece el poema Rufino Tamayo, el poema describe, interpreta o poetiza sobre  uno de los cuadros del pintor mexicano , El hombre (1953) , el cuadro está o estuvo en el museo de Dallas.

Rufino Tamayo

El hombre (1953)

Dallas Museum of Art.

El hombre es triangular. Una centella o un rayo

lo alcanzará en pleno pecho y acabará con él.

La noche entera está eléctrica.

Fugaz y azul se ve la luna. El esquema del universo

se dibujó hace millones de años, entre líneas

con ángulos rectos y agudos como el signo mayor.

El hombre sale de sí mismo. El triángulo era prisión.

Busca su lugar, su raza el color ocre tostado,

su irrompible atadura a la tierra. Se atenúa la forma

a medida que asciende, decidido a atrapar los cometas

que van a estrellarse.

El hombre es un indio zapoteca. Su vida es fugaz,

su marca el cráter en la tierra, sus aspiraciones

giran en torno al horizonte redondo del planeta.

Los ángulos se han desprendido, la noche estallará.

¿Por qué Fabián dedicó un poema a un cuadro de Tamayo ? 

La obra de Tamayo no siempre tiene la intención de representar algo, su forma de analizar las cosas consiste en la destrucción de lo real para pasar a la recomposición de sus elementos.

Encuentro que el poeta Octavio Paz dedicó varios textos al arte de Tamayo, de ellos extraigo: 

“El elemento reflexivo es la mitad de Tamayo: la otra mitad es la pasión”. 
“Pintura dual que sólo alcanza la unidad para desgarrarse y de nuevo volver a reunirse. La vitalidad del arte de Tamayo depende de la convivencia de estas dos tendencias”.

"Su búsqueda pictórica y poética ha sido de tal modo arriesgada y su aventura artística posee tal radicalismo, que esta doble independencia lo convierte en la oveja negra de la pintura mexicana." 
"La integridad con que Tamayo ha asumido los riesgos de su aventura, su decisión de llegar hasta el límite y de saltarlo cada vez que ha sido necesario, sin miedo al vacío o a la caída, seguro de sus alas, son un ejemplo de intrepidez artística y moral."

"La pintura de Tamayo no es una recreación estética; es una respuesta personal y espontánea a la realidad de nuestra época. Una respuesta, un exorcismo y una transfiguración. Incluso cuando se complace en el sarcasmo, esta pintura nos abre las puertas de una realidad, perdida para los esclavos modernos y para sus señores, pero que todos podemos recobrar si abrimos los ojos y extendemos la mano. El cuadro es el lugar de reunión de muchas fuerzas. Como el poema, la pintura está hecha de enemistades y reconciliaciones, rimas, correspondencias y ecos. No es un mundo privado, sino el espacio propicio al encuentro: es un sitio de comunión. “La poesía", escribió hace años, “intenta volver sagrado al mundo. De allí el recelo con que la han visto iglesias, capillas, sectas y partidos políticos. Mediante la palabra el poeta consagra la experiencia de los hombres y las relaciones entre el hombre y la mujer, la naturaleza o su propia conciencia". Tamayo ha redescubierto la vieja fórmula de consagración.

El crítico estadounidense  Stanton L. Catlin  percibió que si Rivera miraba dibujando es evidente que Tamayo miraba imaginando y transfigurando. No era el parecido sino la sensibilidad y la invención lo que él manifestaba a través del trazo. Quería, y así lo hizo, interpretar el entorno y el universo a su manera. Cuando Catlin pudo ver en retrospectiva la obra de Tamayo en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1979 escribió que en el mundo de Tamayo, donde las fuerzas interactúan, el hombre está colocado en el centro de un conflicto entre la naturaleza terrestre y la naturaleza del universo, ese espacio contemporáneo astrofísico, mundo de Tamayo donde se oyen voces místicas originadas en un instinto muy antiguo.  Dentro de este espacio cósmico tamayano, las tensiones y sensaciones nerviosas llegan a extremos de placer y de dolor. Catlin reconoció en Tamayo un esfuerzo máximo por hacer comprensible el entorno humano, pero dejando un margen muy amplio para la contradicción y el conflicto sin fin, porque nada ha sido resuelto definitivamente.

Así lo entendía Tamayo cuando afirmaba: “La cultura ha rebasado los límites del espacio, está rebasando los del espíritu. Gracias a ello el hombre es hoy más humano".

Leyendo todas estas consideraciones acerca de Tamayo , casi todas o todas extraídas de un ensayo de Raquel Tibol, compruebo que muchas de ellas (las que destaqué en negrita) podrían extrapolarse del universo de Tamayo al universo de Iriarte y comprobaríamos mi hipótesis : Son dos artistas con una huella digital similar.